Pose-to-Pose Animation: En steg-för-steg-guide för nybörjare

Innan digital animering var animatörer tvungna att dra varje drag från början. De utvecklade en metod som kallas pose-to-pose animation, ett systematiskt tillvägagångssätt som hjälpte dem att leverera många av de mest kända animerade produktionerna genom tiderna.

Här är en översikt över vad pose-to-pose-animering är och hur du kan testa tekniken själv.

Vad är Pose-to-Pose Animation?

När du animerar pose-to-pose ägnas majoriteten av animatörens tid och ansträngning åt att rita "nyckel" -beats i en scen-en förvirrad karaktär som får ögonkontakt med kameran, eller kung Arthur som håller Excalibur högt över honom när han frigör den från sten.

Med dessa viktiga ramar redan omhändertagna börjar scenen samlas och ta form. I studiosammanhang ombeds sedan animatörer på juniornivå att fylla i luckorna med in-betweens och bära publiken genom varje slag. Under andra omständigheter går den ursprungliga animatören helt enkelt tillbaka i sig själv. Hur som helst blir en komplett animation resultatet.

Varför animera Pose-to-Pose?

Pose-to-pose sätter scenen för bra animering av några skäl-den ovannämnda faktorn för planering är en viktig försäljningsargument. En annan är fördelningen av kreativ energi. Vad är skillnaden mellan att spendera en timme på en teckning och att spendera fyra timmar på 200 teckningar?

I det senare fallet kommer förmodligen de första ritningarna att vara ungefär lika bra som den som ritades i det tidigare fallet. Efter ett par timmar kommer dock många av oss naturligtvis att tappa lusten.

För de mest dramatiska och spännande ögonblicken i en animering är det vettigt att koncentrera dina ansträngningar och delegera det mer mekaniska arbetet med att göra mellanrum till andra eller till oss själva vid ett senare tillfälle.

Anatomin för en pose-to-pose-sekvens

Det finns några ingredienser som de flesta exempel på pose-to-pose-animeringar kommer att innehålla. Låt oss gå igenom var och en av dem.

Nyckelpositionerna

Dessa "miniatyrbilder" är vanligtvis de stunder som förmedlar mest mening och känslor. En plötslig insikt, toppen av ett ilsket utbrott eller den andra som en karaktär landar efter att ha fallit från en klippa kvalificerar sig alla.

In-Betweens

Om armen är uppe i den första posen och ner i den andra måste du fylla mellanrummet med minst en ram där armen är någonstans i mitten. Ju fler bildrutor som fyller detta utrymme emellan, desto smidigare kommer animationen att se ut.

Nedbrytningarna

Daisy-chaining varje keyframe straight-up kan fungera om du animerar något väldigt enkelt. Efter några sekvenser oavbrutna av någon form av sekundär handling eller pausperiod kommer du dock att känna en känsla av "rastlöshet". Nedbrytningar ger din publik resten som de behöver när de smälter din animering.

De fungerar som "nyckelrutor" mellan nyckelrutor. Innan en karaktär reagerar på något kan de rysa, studsa eller blinka. Dessa små åtgärder förbättrar deras prestanda, vilket gör dem mindre tråkiga.

Relaterad: De bästa rit- och målningsapparna för Android

Hur man övar Pose-to-Pose Animation

Dina tre främsta prioriteringar som animatör: timing, avstånd och konsistens. Pose-to-pose animation är den perfekta tekniken för en nybörjare som vill stärka sina färdigheter inom alla tre områdena.

När du börjar är det inget som att lära av mästarna. Googla namnet på din favorit seriefigur, följt av frasen "modellblad" troligen dra upp en skattkista med teknisk instruktion om hur man konstruerar karaktären professionellt.

Om det inte gör det rekommenderar vi ett klassiskt Musse Mus -modellblad. När du har hittat en som du gillar, elda upp din valfritt animationsprogram.

1. Välj två nyckelposer

Efter att du valt dina poser, rita ut dem på två olika ramar. Satsa så mycket på dessa nyckelritningar som möjligt. Kvalitet i detta skede är avgörande.

Här kan du se att vi har hållit saker väldigt enkla. Bläddra igenom dem fram och tillbaka blir det tydligt att två ramar inte räcker för att berätta den här lilla historien. För att skapa en loopbar animering kommer vi att kopiera den första nyckelramen och sätta en annan instans efter vår andra nyckelrampose. Till nästa fas.

2. Lägg till en uppdelning (eller flera)

Stör denna enkla utveckling med något i mitten av de två första poserna.

Nu backar Mickey innan han boggar. Knäna böjer sig och hans axlar dras upp runt hans hals. Genom att spela igenom detta känns sekvensen mycket bättre än att bara de två nyckelramarna är ensamma, men det finns fortfarande en känsla av något... som saknas. I sådana fall är en annan uppdelning ibland en lämplig lösning.

Låt oss flytta tillbaka den här första uppdelningen till ett hår. Istället för att hoppa direkt till den andra nyckelbildposen kan vi få honom att studsa upp något innan han landar i hans ansiktspalm. Vi kan också skjuta tillbaka den andra nyckelposen och den sista ramen för mer andningsrum.

Nu, gå igenom din egen korta sekvens. Om handlingen känns gedigen är det bara att fylla i mellanrummen mellan det du redan har.

3. Rita några in-Betweens

Vi rekommenderar att du ritar ditt första mellanrum precis i mitten av gapet som skiljer de två första nyckelramarna på din tidslinje, inklusive uppdelningar.

När du har något som länkar dem, titta på det några gånger och fortsätt att fylla i ämnena tills allt börjar gå ihop. Den här delen kommer att vara självförklarande, särskilt om du har lökhudöverlagringar aktiverade i vilket animeringsprogram du än använder. Allt du behöver göra är att dra varje kroppsdel ​​mellan de analoger som föregår och följer.

Dessa lösare, mer skissartade ritningar kallas "grovheter" och med rätta. De ska inte betraktas som slutgiltiga, särskilt under denna inledande utforskande process. Deras syfte är att kartlägga sekvensen runt varje nyckelbilds pose. Du kommer så småningom att gå tillbaka över dessa grovheter, lägga till sekundära åtgärder och städa upp dem någon gång.

Fokusera mindre på perfektion i detta skede och mer på dina grunder-väl återgivna handling i breda drag och skådespeleri som känns autentiskt.

4. Utvärdera och förfina

Efter att ha tagit ditt första pass, ta en titt på vad du har. Om vissa delar känns för snabbt kan du fortsätta skjuta ramar framåt, vilket ger plats för fler in-betweens. Detsamma gäller sektioner som drar ut. Dra gärna in några delar igen, till och med radera mellan dem om det behövs.

En sak värd att nämna: du kommer att märka att inte alla ramar är unika vid denna tidpunkt. Vi har några "håll" -ramar; död luft som förhindrar att sekvensen piskar förbi för snabbt. Dessa kan eller kanske inte ritas om när du fortsätter. Allt beror på vilken stil du går efter.

I teorin finns det verkligen ingen mållinje. I det här exemplet kan vi verkligen gå längre - till exempel ge honom några ögon eller lägga till knapparna i byxorna. Något viktigt att komma ihåg är att bra animering aldrig görs på en gång. Du kan inte lägga till detaljer i något amorft och vagt; en solid grund måste alltid upprättas först.

Relaterad: Nybörjarguiden till Adobe Character Animator

Behärskar animationskonsten

Lite logik och kreativt tänkande kommer att göra även mycket utmanande scener mycket mer hanterbara. Det finns få scenarier där pose-to-pose-animering inte åtminstone kommer att belysa vägen framåt för dig.

Så småningom kommer du förmodligen att känna dig tillräckligt säker för att utforma din egen utveckling av poser. Börja med de två första som du kan se klart och fortsätt precis som beskrivs här. Med dessa principer i åtanke kommer ingenting att kunna stoppa dig.

Vilka är Disneys 12 principer för animering?

Disneys 12 animationsprinciper blåser liv i tecknade serier. Lär dig vad de är och hur de kan förbättra dina animationer.

Läs Nästa

Om författaren